国立西洋美術館は常設展こそ見るべし！世界の名画と松方コレクション

「モネ＝睡蓮の連作」というイメージの方も多いかもしれませんが、実はその他にも色々な連作シリーズを描いています。本作《陽を浴びるポプラ並木》もそのひとつ、ジヴェルニーのエプト川沿いに生えるポプラ並木を描いたシリーズものです。

画面に広がるのは、抜けるような青空と、川面に映り込む鮮やかな光。
手前のポプラはキャンバスに描き切れないほど高くそびえ、背景には奥へと続く並木の様子が描かれています。
…ただし、その遠近感ははっきりしません。境界がぼやけていたり、形が曖昧だったりするのは、モネならでは「光」の表現方法。あえてディテールをぼかすことで、自然の「空気感」を表現しているんです。

水面にちらつく光の冷たさ、ポプラの葉がきらきらと揺れる感じ──。
まさに“印象”を描いた一枚で、眺めていると、静かな川辺の風の音まで聞こえてきそうな、そんな一枚です。

パリの北西、ジヴェルニーという町。
モネはこの地をとても気に入り、自宅のそばに“水の庭”をつくりました。
あの「睡蓮」シリーズは、まさにこの庭で描かれたものです。

この《睡蓮》も、その連作のひとつ。
まず目を引くのは、水面に映る空の澄んだ青。
浮かぶ睡蓮の花々、周囲の木々の反射、それぞれの色が響き合い、まるで目で感じる音楽のような美しさがあります。

それでいて、描き方はどこか静かでやさしい。
水面のひんやりとした質感に加えて水中の重厚な色彩…etc
細かく描き込まれているわけではないのに、風景を見た瞬間の印象を驚くほど自然に、的確にとらえています。
気づくと、自分の感覚ごと絵の中に引き込まれている──そんな不思議な没入感がある一枚です。

そしてこの作品——
実は、松方幸次郎がモネ本人に直接交渉して手に入れていたものなんです。
1921年、松方は本作を含むモネの作品18点をまとめて購入。そのとき支払った金額はなんと100万フラン──今の価値で約1億5,000万円ほどとも言われています。

アートにそれだけの情熱とお金を注げる人、そうそういませんよね。
その本気が、こうして今の私たちの目の前に残っている。そう思うと、絵の見え方もまた少し変わってくる気がします。

1921年、松方幸次郎は

ヴィンチェンツォ・カテーナは、ルネサンス期のヴェネツィア派の画家。名前を聞いてピンとくる人は少ないかもしれませんが、同時代の仲間にはジョヴァンニ・ベッリーニ、ジョルジョーネ、ティツィアーノといった、そうそうたる顔ぶれが並びます。

カテーナも初期はベッリーニ風の穏やかで端正なスタイルでしたが、1510年頃からジョルジョーネの影響を感じさせる表現に変化していきました。

この《聖母子と幼い洗礼者聖ヨハネ》の制作年ははっきりしていません。でも、背景に描かれているヴェネツィアの「サンタ・マリア・フォルモーザ聖堂」のファサード（正面）がまだ完成していなかったり、井戸の形状が当時のものと一致したりすることから、1512年頃の作品と考えられています。ちょうどカテーナが作風を変え始めた時期と重なります。

当時は油絵具が少しずつ広まり始めていた時代ですが、この作品はテンペラ（卵を混ぜた絵具）で描かれていて、発色の鮮やかさとマットな質感が印象的。肌や輪郭の繊細な描写は、テンペラならではの美しさです。

派手さはないけれど、静かで丁寧な空気感。ルネサンスの名品って、こういう一枚にも宿っているんですよね。

カルロ・ドルチは、バロック時代にフィレンツェで活躍した画家です。バロックといえば、劇的な光と影のコントラストが特徴ですが、ドルチの魅力はそこに“緻密さ”が加わるところ。

彼は「遅筆の画家」としても知られていて、伝記によれば「片足を描くのに1週間かかった」と言われるほど。でも、そのぶん仕上がりはとても精密で、彼の宗教画は当時から大人気でした。

この《悲しみの聖母》も、そんなドルチの丁寧な筆づかいが光る一枚です。青いマントの柔らかな質感、手の透明感ある描写…細部までとにかく丁寧。しかし、顔――とくに目元はあえて陰で隠されていて、表情がはっきりとは読み取れません。

そこに、逆に心をつかまれます。すべてを見せず、静かに、でも確かに伝わってくる悲しみ。見る人の想像に委ねることで、より深い感情がにじんでくるような作品です。

フィンセント・ファン・ゴッホといえば、南仏アルルでの耳切り事件が有名ですよね。その後、彼は精神的に不安定な状態が続き、アルルの北東にあるサン・レミの精神病院に入院することになります。

絵は売れず、心も身体もボロボロ。そんな中でも、ゴッホは自然と向き合いながら少しずつ回復していきました。病院の庭やその周辺の風景が、彼の心を支えていたんですね。

この《ばら》は、まさにその頃に描かれた一枚。外出が禁じられていた時期には、病院の敷地内で蛾を観察したり、アイリスの花を描いたりしていたそうで、この作品もそうした「限られた世界」で見つけた美しさのひとつです。

画面は全体的に柔らかな緑で統一されていて、そこに白やピンクのバラがふわっと浮かび上がるように咲いています。以前のゴッホがよく使っていた、輪郭線で色を分けたり、補色を効果的に使う実験的な技法はあまり見られません。

むしろこの作品から伝わってくるのは、技法うんぬんより「ただ、目の前にある花を見つめて描いた」という素直な気持ち。バラの姿に癒されながら、静かに筆を動かすゴッホの姿が目に浮かぶようです。

ポール・シニャックは、いわゆる“新印象派”の代表的な画家。特徴はなんといっても、あの点描です。

印象派の画家たちが使っていた「筆触分割」という技法——つまり、色を混ぜずにそのまま並べて視覚的に“混ざったように見せる”やり方を、もっと理論的に、科学的に突き詰めたのが新印象派。その中で、色を小さな点で描く“点描法”が生まれたんですね。

この《サン＝トロペの港》は、シニャックがフランス南東の港町・サン＝トロペに住んでいた頃に描いたもの。サイズは131×161.5cmとかなり大きめで、画面全体が色の点でびっしり埋め尽くされています。

近づいて見ると、ただの点の集合。でも、少し離れて見ると、空、海、船、建物がパッと浮かび上がってくる。夕方か朝方かはっきりしませんが、港に差し込むやわらかな光と、空気の揺らぎまで感じられるようです。

面白いのは、同じ「ピンク」でも、濃い青の隣にあるときと、水色の隣にあるときで、見え方がまったく違うこと。まるで色同士が会話しているような、不思議な視覚のマジックです。

オーギュスト・ロダンといえば「考える人」。誰もが一度は見たことがある有名な彫刻ですよね。でも、あの像がもともと「地獄の門」という巨大な作品の一部だったこと、ご存知でしたか？

「地獄の門」は、1880年にロダンがパリの装飾芸術美術館の入口を飾るために依頼された作品。そのテーマに選んだのが、ダンテの『神曲』の中に出てくる“地獄の入口”でした。

結局、建物の計画自体が途中で中止になってしまい、門も完成することはありませんでしたが、ロダンは制作をあきらめず、20年かけて石膏による原型を完成させます。そして1900年のパリ万博でお披露目されたのが、現在ロダン美術館に収蔵されている“地獄の門”の原型です。

その石膏原型をもとに、ロダンの死後にいくつかの鋳造作品が制作されるのですが、その最初の注文主が、あの松方幸次郎。そう、国立西洋美術館の設立に関わったあの松方さんです。

上野の国立西洋美術館の前庭にある《地獄の門》は、高さ5.4メートル、幅3.9メートル。見上げるほどの迫力で、扉の上にちゃんと“考える人”が座っています。

ちなみに、世界に現存する鋳造版はたった7点のみ。パリのオルセー美術館の原型を除けば、かなり貴重な作品なんです。しかも西洋美術館の前にあるこの作品は、なんと無料で見られる。近くを通ることがあれば、ぜひ立ち止まって、あの門の前で自分も少し“考える人”になってみてはどうでしょうか？