スペイン美術に出会える！長崎県美術館の見どころと須磨コレクション

「この人を見よ」――これはラテン語で Ecce Homo（エッケ・ホモ） と言い、新約聖書の一場面を表す言葉です。由来は『ヨハネによる福音書』（19章5節）。総督ピラトが、鞭打たれ、茨（いばら）の冠をかぶせられたイエスを群衆に差し出しながら言い放った言葉です。

このフレーズは単なるセリフの一つにとどまらず、「人間の苦しみや罪、そして救いとは何か？」という問いを観る者に投げかけてきます。まさにイエスの受難の本質を象徴する、重みのあるシーンなんですね。

この場面は、古くから多くの画家たちに描かれてきた人気テーマ。本作もそのひとつですが、15世紀のものと比べると、ぐっと写実的でドラマチックな表現が目立ちます。奥行きや構図の工夫によって、人物の配置や空間の広がりがリアルに伝わってきます。

それまでの宗教画には記号的・象徴的な表現も多かったのですが、ここではイエスの表情、視線、身ぶりから、まるで人間ドラマのような“感情の動き”が感じられるんです。

制作されたのは、16世紀後半のスペイン。この時代は、いわゆる「対抗宗教改革（カウンター・リフォーメーション）」の真っ只中。カトリック教会は、信仰をより深く広めるために、人々の心に直接訴えかけるような宗教画を重視していました。キリストの受難やピエタ、聖母子など、“感情に響く”モチーフが特に多く描かれたのも、この流れからです。

この《この人を見よ》も、そんな時代の空気を色濃くまとった作品のひとつ。見る人の心に直接語りかけてくるような迫力があり、単なる信仰のシンボルというより、“観ることで信仰が始まる”ような力を持っている――そんな印象すら受けます。

スペインが芸術の黄金期を迎えていた16世紀後半から17世紀――この時代は「黄金世紀（シグロ・デ・オロ）」と呼ばれ、エル・グレコやベラスケスなど、名だたる画家たちが次々と登場しました。とくにバロック期のスペイン絵画は、写実的な描写とドラマチックな明暗表現（いわゆるキアロスクーロ）が特徴で、宗教画に強いインパクトと深い精神性を与えていたんです。

なかでも注目すべき拠点が、南部アンダルシアの都市セビーリャ。この地では、ベラスケスをはじめ、スルバランやムリーリョといった画家たちが活躍し、「セビーリャ派」と呼ばれる独自の宗教画スタイルを築いていきました。

この《パオラの聖フランチェスコ》も、そのセビーリャ派に属する画家によるものと考えられていて、まさにこの時代・この地域らしさが詰まった一枚です。

描かれているのは、イタリアの修道士であり、ミニムス修道会の創設者でもある聖フランチェスコ・ディ・パオラ。彼は非常に禁欲的な生活を送り、多くの奇跡を起こしたと伝えられる人物です。

たとえば有名な逸話のひとつに、「外套に乗ってメッシーナ海峡を渡った」という話があります。まるで水の上を進んだかのような、まさに奇跡のようなエピソードですよね。また、愛羊のマルティネロが大工に食べられてしまったとき、炉に捨てられた骨に向かって「戻ってこい」と呼びかけ、見事に蘇らせた――なんて伝説も伝えられています。

そんな数々の奇跡が、この作品の背景にもさりげなく描かれていて、聖人としての力と深い信仰心が自然と伝わってきます。そして何より印象的なのは、そんな伝説を持つ聖フランチェスコが、前景では質素なマントをまとった修道士の姿で、静かに祈りを捧げるように描かれていること。世俗から距離を置いたそのたたずまいからは、彼ならではの気高さと深い精神性が感じられます。

こうした聖人像を視覚的にわかりやすく伝えてくれるこの作品は、当時の読み書きができなかった人々にとっても、物語や信仰の教えを“見ることで理解できる”ビジュアルメディアのような存在だったんですね。

「ボデゴン」って、あまり聞き慣れない言葉かもしれませんが、スペイン語の bodega（＝食料貯蔵庫）が語源なんです。簡単に言えば、食べ物や飲み物、狩猟で得た獲物などが置かれた倉庫のようすを描いた静物画のこと。17世紀の前半ごろから流行し、実は貴族たちのあいだでも人気だったジャンルなんですよ。

静物画と聞くと、ついフランドルの華やかな果物やごちそうが並ぶテーブルを思い浮かべるかもしれません（※下図参照）。でもスペインのボデゴンは、それとはちょっと違います。どちらかというと、もっと質素でリアル。たとえば本作のように、獲物の皮を剥いでいる場面や、台所での素朴な食材を題材にしたものが多いんです。

この違いの背景には、スペイン独自の宗教観がありました。当時のカトリック社会では、「禁欲」や「質素倹約」が美徳とされていて、絵にもそうした精神がにじみ出ているんですね。華やかさではなく、静かに営まれる日常や労働の尊さを描くことで、観る人に“信仰的な気づき”を促すような意図があったのかもしれません。

1700年、スペイン・ハプスブルク家の最後の王カルロス2世が亡くなると、王位はフランス・ブルボン家に渡ることになります。そしてその初代国王となったのが、この肖像の主――フェリペ5世です。

フランス育ちのフェリペ5世は、宮廷文化にもフランス風の華やかさを持ち込んだことで知られています。多くのフランス人画家が宮廷に招かれ、スペイン人が王室の肖像画を手がけることは、当時としてはかなり珍しいことでした。そんななか、ミゲル・ハシント・メレンデス（Miguel Jacinto Meléndez, 1679～1734）は例外的な存在として、数少ないスペイン人宮廷画家の一人となったのです。

この作品は、フェリペ5世が20代後半から30代前半くらいの頃を描いたものとされています。肌や髪の繊細な描き込み、きらりと光る甲冑など、どこか優美で洗練された雰囲気が感じられますよね。16世紀以前の重厚な絵画に比べて、ずいぶん軽やかで明るい印象を受けるのも、フランス宮廷美術の影響が反映されているからなのかもしれません。

とはいえ、この絵にはちょっと気になるポイントも。1712年にメレンデスが描いたとされる、セラルボ美術館所蔵の《狩猟衣装を着たフェリペ5世》と顔立ちはよく似ているのですが、構図や細かい描写――とくに右手の表現などに、どこかぎこちなさが見られます。そのため、本作の《フェリペ5世》は「メレンデスの工房で描かれた作品かもしれない」という説もあるんです。

いずれにせよ、スペイン絵画がフランスの影響を受けながら変化していく、ちょうどその過渡期の空気が感じられる——そんな一枚です。

こちらの2枚の肖像は、スペイン王フェルナンド6世と、その妃バルバラのもの。
フェルナンド6世はフェリペ5世の四男で、1746年から1759年までスペインを治めました。即位後は、海軍やインフラの整備、財政改革などに力を注ぎ、停滞していた国の立て直しに尽力しました。また、現在ではピカソやダリの名でも知られる「王立サン・フェルナンド美術アカデミー」を創設するなど、芸術振興にも積極的だったことで知られています。

ところが晩年、最愛の王妃バルバラを亡くすと精神的に不安定になり、45歳という若さでこの世を去ることになりました。国政も文化も支えた夫妻の肖像には、そんな波乱の人生の一端も感じられるようです。

この2作品は、以前は署名を根拠に、アントン・ラファエル・メングス（新古典主義の画家）によるものと考えられていました。ところがメングスがスペインの宮廷画家になったのは、王と王妃が亡くなった後のこと。そのため「それ、ちょっと時系列が合わないよね？」という疑問が出てきたのです。

現在では、マドリード王宮にあるヴァン・ロー作の『フェルナンド6世』と構図がほぼ同じであることから、この作品もルイ＝ミシェル・ヴァン・ロー（Louis-Michel van Loo, 1707-1771）とその工房によるものと見なされています。

ちなみにこちらのバージョンは、マドリード王宮にある本家（？）の肖像と比べると、フェルナンド6世の顔つきがやや柔らかめ。しかし、細部の描き込みなどもしっかりしているため、単なる工房による複製であるというより、ヴァン・ロー自身が本格的に関与していた描かれた可能性が高いと考えられています。

「最後のオールドマスターにして、最初のモダニズムの巨匠」——。
そんな言葉で語られることの多い、スペインが誇る画家フランシスコ・デ・ゴヤ（1746〜1828）。
18世紀から19世紀にかけて活躍した彼は、伝統的な宮廷画の世界に身を置きつつも、その枠を超えて社会や人間の本質を鋭く描き出す表現へと歩みを進めました。

当時のスペイン絵画といえば、宗教画や王侯貴族の肖像がメイン。美術は権威や栄光の象徴として使われるのが一般的でした。ところがゴヤは、そんな“お飾り”としての絵にとどまらず、絵画をもっと根源的な「表現の手段」へと変えていったのです。

その真骨頂が、この《戦争の惨禍》。
これは、1808年に始まったスペイン独立戦争の中での“戦争の現実”を記録した版画シリーズです。普通、戦争画というと英雄の勇姿や勝利の瞬間を描くものですが、ゴヤの視点はまったく違います。
彼が描いたのは、栄光の裏に隠された、むごたらしい暴力の連鎖。そして命を奪われる市民たちの痛ましい姿でした。

ここに掲載しているのは比較的穏やかな場面ですが、シリーズの中には「ちょっとこれは直視できないかも…」というレベルの衝撃的な描写も少なくありません。銃殺刑の場面や死体の山…それらはすべて、戦争の“もう一つの顔”を突きつけてきます。

興味深いのは、この作品群がゴヤの生前には一切発表されなかったこと。
なぜなら、敵国フランスだけでなく、戦後に王政復古したブルボン朝への痛烈な批判も込められていたからです。言ってしまえば、かなり“危険な”作品だったわけですね。結局、《戦争の惨禍》が初めて公開されたのはゴヤの死後、1863年のことでした。

それから約160年が経った今でも、この作品の力は色あせることがありません。
《戦争の惨禍》は、戦争の英雄譚や後日の教訓的なことを語ったものではありません。その本質を真っ向から告発する芸術です。痛みや怒り、絶望までもを作品に昇華させたゴヤのまなざしは、現代に生きる私たちにも大きな問いを投げかけてきます。

19世紀前半に登場したフランシスコ・デ・ゴヤの革新的な絵画スタイルは、後のスペイン絵画に大きな影響を与えました。そしてその流れを受けて、伝統的なアカデミー絵画とは異なる、ロマン主義的な作風が芽生えていきます。その中心人物のひとりが、マリアノ・フォルトゥーニです。

フォルトゥーニといえば、異国情緒あふれるオリエンタリズムの作品で知られていますが、実は風景画でもその才能を存分に発揮しています。本作もその一つ。手のひらサイズほどの小さなキャンバスに、陽光に包まれた街角のひとコマが繊細に描かれています。

18世紀までのスペイン絵画といえば、宗教画や王侯貴族向けの歴史画が主流で、風景画は「格下」とされていました。でも、19世紀に入ってロマン主義が台頭してくると、自然そのものに価値を見出す風潮が広まり、風景画も次第に評価されるようになっていきます。フォルトゥーニもそうした時代の流れの中で、風景というジャンルに新たな魅力を吹き込んだ画家のひとりでした。

この《風景》は、フォルトゥーニがスペイン南部のグラナダに滞在していた1870年頃に描かれたと考えられています。空が広く取られた構図と、軽やかなタッチで描かれた建物。下地を活かした薄塗りの表現が、何気ない街角の空気感や光の移ろいをやさしく伝えてくれます。

ざっくりとした筆使いには、当時のフランス印象派にも通じる感性が感じられますが、この縦長の画面構成や、空の広がりを意識した視点からは、単なる風景スケッチ以上の詩情がにじんでいます。初めて訪れた場所だったのか、それとも思い入れのある町だったのか…。詳細はわかりませんが、キャンバス越しにフォルトゥーニの親しみや愛情がふわりと伝わってくるようです。

日常の中の美しさをそっとすくい取るような、静かで詩的な一枚。小さいながらも、心に残る風景画です。

20世紀に入ると、スペインの美術界も一気に多様化していきます。ピカソやダリといった巨匠たちがパリで前衛的な動きを見せる一方、スペイン国内では、より内省的で独自の世界観を追求する画家たちもいました。そのひとりが、ホセ・グティエレス・ソラーナです。

この《軽業師たち》は、サーカスの一場面を描いたと思われる作品。背景のストライプ模様や衣装の華やかさからは、にぎやかな雰囲気を連想しますが、実際に描かれているのは、どこか影のある人物たち。無表情で、淡々と芸をこなしているその姿からは、明るさよりも不穏な静けさが漂ってきます。

ソラーナの作品には、こうした“にせものの人間”を思わせるモチーフがよく登場します。蝋人形のような顔つき、仮面をつけたような無機質な表情──この作品もまさにその特徴がよく表れています。人物たちは、生きているはずなのにどこか人間らしさを感じさせず、見ている側に妙なざわつきを残します。

ソラーナがなぜこうした作風を選んだのか、はっきりとした答えはありません。ただ、1930年という制作年を考えると、スペイン社会が内戦前夜の不穏な空気に包まれていたことを思い出さずにはいられません。この絵の中にも、そんな時代の不安や閉塞感が無意識ににじみ出ているのかもしれません。

華やかで楽しいはずのサーカスが、なぜこんなにも静かで、怖いのか──そのギャップが、見る者に強い印象を残す一枚です。